Surrealismo
Cos'è il surrealismo
Surrealismo, movimento nell'arte visiva e della letteratura, fiorente in Europa tra le due guerre mondiali. Il surrealismo crebbe principalmente dal precedente movimento dadaista, che prima della prima guerra mondiale produceva opere di anti-arte che deliberatamente sfidavano la ragione; ma l'enfasi del Surrealismo non era sulla negazione, ma sull'espressione positiva.
Il movimento rappresentava una reazione contro ciò che i suoi membri vedevano come la distruzione operata dal "razionalismo" che aveva guidato la cultura e la politica europea nel passato e che era culminata negli orrori della prima guerra mondiale. Secondo il principale portavoce del movimento, il poeta e il critico André Breton, che ha pubblicato il Manifesto surrealista nel 1924, il Surrealismo era un mezzo per riunire i regni consci e inconsci dell'esperienza in modo così completo che il mondo del sogno e della fantasia si potevano unire al mondo razionale quotidiano in "una realtà assoluta, una surrealtà". Attingendo pesantemente a teorie adattate da Sigmund Freud, Breton vide l'inconscio come la fonte dell'immaginazione.
Definì il genio in termini di accessibilità a questo regno normalmente non sfruttato, che, a suo avviso, poteva essere raggiunto da poeti e pittori allo stesso modo.
Nel poesia di Breton, Paul Éluard , Pierre Reverdy e altri, il Surrealismo si manifestava in una giustapposizione di parole che era sorprendente perché era determinata non da processi logici, ma da processi psicologici, cioè inconsci. I suoi maggiori risultati, tuttavia, erano nel campo della la pittura. La pittura surrealista fu influenzata non solo dal dadaismo, ma anche dalle immagini fantastiche e grottesche di pittori precedenti come Hieronymus Bosch e Francisco Goya e di contemporanei più vicini come Odilon Redon, Giorgio de Chirico e Marc Chagall. La pratica dell'arte surrealista ha fortemente enfatizzato la ricerca e la sperimentazione metodologica, sottolineando l'opera d'arte come mezzo per sollecitare l'indagine e la rivelazione psichica personale. Il bretone, tuttavia, esigeva una ferma fedeltà dottrinale. Così, nonostante i Surrealisti abbiano tenuto una mostra collettiva a Parigi nel 1925, la storia del movimento è piena di espulsioni, defezioni e attacchi personali.
Quali sono le caratteristiche del surrealismo
Il surrealismo non ha uno stile unificato, ma, nella pittura, si può distinguere una serie di evidenze che rientrano tra due estremi. A un polo, lo spettatore si trova di fronte a un mondo completamente definito e minuziosamente dipinto ma che non ha alcun senso razionale: le immagini dipinte realisticamente vengono rimosse dai loro contesti normali e riassemblate all'interno di un quadro ambiguo, paradossale o scioccante. È esemplificato nelle opere di artisti come René Magritte e Salvador Dalí. All'altro polo, chiamato surrealismo organico, emblematico o assoluto, lo spettatore si confronta con immagini astratte, di solito biomorfe, che sono suggestive ma indefinite. Questo approccio è esemplificato da artisti come Jean Arp, Max Ernst e Joan Miró .
I più grandi pittori surrealisti
I maggiori pittori surrealisti erano Jean Arp ,Max Ernst ,André Masson ,René Magritte ,Yves Tanguy,Salvador Dalí, Pierre Roy, Paul Delvaux, e Joan Miró. Il lavoro di questi artisti è troppo vario per essere riassunto categoricamente come l'approccio surrealista nelle arti visive. Ogni artista ha cercato i propri mezzi di auto-esplorazione. Alcuni perseguivano spontaneamente una rivelazione spontanea dell'inconscio, liberato dai controlli della mente cosciente; altri, in particolare Miró, usavano il Surrealismo come punto di partenza liberatorio per un'esplorazione di fantasie personali, consce o inconsce, spesso attraverso mezzi formali di grande bellezza.
È possibile distinguere una serie di varietà che rientrano tra i due estremi. Ad un polo, esemplificato nel modo più puro dalle opere di Arp, lo spettatore si confronta con immagini, di solito biomorfe, che sono suggestive ma indefinite. Mentre la mente dello spettatore lavora con l'immagine provocatoria, le associazioni inconsce sono liberate e l'immaginazione creativa si afferma in un processo investigativo totalmente aperto. In misura maggiore o minore, Ernst, Masson, e Miró seguì anche questo approccio, chiamato in vario modo surrealismo organico, emblematico o assoluto. All'altro polo lo spettatore si trova di fronte a un mondo completamente definito e minuziosamente raffigurato, ma che non ha alcun senso razionale: le immagini pienamente riconoscibili e dipinte realisticamente vengono rimosse dal loro normale contesti e riassemblati all'interno di un quadro ambiguo, paradossale o scioccante.
Il lavoro mira a provocare una risposta comprensiva nello spettatore, costringendolo a riconoscere il "senso" intrinseco dell'irrazionale e logicamente inesplicabile. La forma più diretta di questo approccio è stata presa da Magritte in dipinti semplici ma potenti come quello che ritrae una normale tavola che include un piatto che regge una fetta di prosciutto, dal centro del quale fissa un occhio umano. Dalí, Roy e Delvaux hanno reso mondi alieni simili ma più complessi che ricordano scene avvincenti e avvincenti.
Un certo numero di tecniche specifiche sono state ideate dai surrealisti per evocare risposte psichiche. Tra questi c'erano frottage (sfregamento con grafite su legno o altre sostanze a grana) egrattage (raschiando la tela) - entrambi sviluppati da Ernst per produrre immagini parziali, che dovevano essere completate nella mente dello spettatore; disegno automatico, una registrazione spontanea, senza censure di immagini caotiche che "scoppiano" nella coscienza dell'artista; e trovato oggetti.
Con la sua enfasi sul contenuto e sulla forma libera, il Surrealismo ha fornito un'importante alternativa al contemporaneo, altamente formalistico. Il movimento cubista è stato in gran parte responsabile del perpetuare nella pittura moderna l'enfasi tradizionale sul contenuto.
Sebbene fosse un movimento dominato dagli uomini - e spesso considerato sessista - diverse donne di talento fecero irruzione, seppur brevemente, nel circolo ristretto di Breton. Molte delle donne avevano relazioni strette, di solito intime, con gli artisti maschili, ma fiorivano anche artisticamente ed esibivano in mostre surrealiste. Artisti come Dorothea Tanning, Kay Sage, Leonora Carrington e Meret Oppenheim erano membri essenziali del gruppo surrealista. Il loro ruolo nel movimento è stato esplorato in profondità dallo studioso Whitney Chadwick nel suo libro rivoluzionario Le donne e il movimento surrealista (1985).
Salvador Felipe Jacinto Dalí I Domenech nacque la mattina dell'11 maggio 1904 nel piccolo villaggio agricolo di Figueres, in Spagna.
Prese il nome di suo fratello maggiore, Salvador, il quale morì poco prima della nascita di Dalí. Dalí trascorse la sua infanzia a Figueres nella dimora estiva di famiglia, nel villaggio costiero di Cadaqués, dove i suoi genitori costruirono il suo primo studio.
Fin dalla tenera età, Dalí fu stimolato a praticare la sua arte, finendo poi per studiare presso un'accademia di Madrid.
Nel 1920 si recò a Parigi e cominciò a interagire con autori del calibro di Picasso, Magritte e Mirò, il che lo portò al suo primo periodo surrealista. Il dipinto per cui è più noto è probabilmente la tela del 1931 "La persistenza della memoria", raffigurante degli orologi molli drappeggiati in un paesaggio di sfondo.
Divenuto adulto, prese casa con sua moglie Gala nei pressi di Port Lligat. Molti dei suoi dipinti incarnano il suo amore per questa parte della Spagna.
Dalí morì a Figueres nel 1989.
Il Quadro raffigurato in questo articolo è uno dei dipinti più famosi dell'artista:
La persistenza della memoria, 1931, olio su tela, 24 x 33 cm. New York, Museum of Modern Art (MoMa)
Descrizione de La persistenza della memoria di Salvador Dalí
All'interno di un paesaggio fantastico sono disposti alcuni oggetti irreali. Dominano la scena alcuni orologi dalla consistenza deformata. Sono chiamati, infatti, orologi molli. Pur segnando ancora il tempo, sembrano aver perso la loro solidità. Sopra al parallelepipedo dipinto a sinistra, un orologio è poggiato per una metà sul piano. Sopra di esso, si è appoggiata una mosca che crea una lunga ombra verso le dodici. La metà inferiore, invece, pende mollemente lungo il fianco del solido. Un altro orologio, con la cassa però chiusa, è poggiato più a sinistra. Su di esso alcune formiche, grandi e piccole, creano un motivo decorativo.
Verso il bordo posteriore del solido, un esile tronco morto si alza verso il cielo e un suo ramo sostiene un altro orologio che pende verso il basso. Sul terreno, un essere mostruoso composto da un grande occhio chiuso, con lunghe ciglia, sopracciglia e la lingua al di fuori porta come una groppa un altro orologio. Verso il fondo dello spazio rappresentato, si apre uno specchio d'acqua. A destra, alcuni faraglioni avanzano verso l'acqua. A sinistra, invece, è dipinto un piano geometrico che avanza verso la riva. Il cielo è limpido e privo di nubi.
Interpretazioni e simbologia de La persistenza della memoria di Salvador Dalí
Oltre alla spiegazione data dall'artista, si può immaginare che gli orologi molli rappresentino la relatività della percezione temporale. Ognuno di noi, infatti, ha una propria sensazione temporale rispetto alle medesime situazioni. Ogni orologio, inoltre, segna ore diverse.
Ci sono artisti che passano alla storia per le loro vite intense, che sembrano scaturire dalle pagine di un romanzo tanto sono cariche di colpi di scena, drammi e passione. E poi c'è René Magritte, un uomo elegante, come tanti, educato, come molti, ma capace di trasformare la realtà, come nessuno.
Un uomo (apparentemente) comune capace di creare capolavori straordinari, che trasformano in sogno il quotidiano. Perché in questo sta il genio di Magritte, l'artista che ci ha spinto a osservare il mondo con occhi diversi, a stupirci di ciò che è apparentemente banale, a scavare sotto la superficie per scoprire che la realtà è molto più affascinante di quanto non appaia.
1. René Magritte (1898 - 1967) è stato uno dei più grandi pittori del Belgio è tra i massimi esponenti del surrealismo. È noto con il soprannome "le saboteur tranquille" per la sua capacità di insinuare dubbi nel reale, rappresentando soggetti apparentemente realistici che però stupiscono per dettagli misteriosi che conferiscono all'opera un significato nuovo e insolito.
La descrizione dell'opera di Magritte
Ma andiamo più a fondo nell'opera di Magritte Golconda con l'analisi e cerchiamo di scoprire come è stata realizzata e da quali elementi è composta. Come si può vedere da una diretta osservazione del quadro, nel dipinto sono presenti delle figure di uomini sospese nel cielo, che sembrano cadere o anche salire verso l'alto.
Ciò che differenzia le varie figure presenti nell'opera d'arte è costituito da due elementi essenziali, la posizione degli uomini nel luogo in cui si trovano e il modo in cui rivolgono il loro sguardo nello spazio.
È come se l'osservatore diventasse una parte stessa del dipinto, perché, a causa delle caratteristiche degli elementi ritratti, diventiamo parte integrante dell'opera, impersonando una delle figure umane con la bombetta e l'ombrello.
Questo sembra accadere perché vediamo soltanto la parte più alta degli edifici. Il cielo è a due dimensioni e possiamo osservare soltanto una parte dei tetti delle abitazioni. Un modo per coinvolgere ancora di più colui che osserva il quadro e per farlo diventare una parte del dipinto stesso.
Il significato dell'opera è avvolto nel mistero
Il significato dell'opera è, come abbiamo già visto, avvolto nel mistero. Non sappiamo qual è l'interpretazione di Golconda per Magritte stesso. Quel che è certo è che l'opera d'arte in questione permette di generare una sensazione di positività che deriva proprio dalle caratteristiche geometriche degli elementi presenti. Allo stesso tempo fornisce una sensazione di ansia per la presenza di tantissime figure anonime, che sembrano non essere distinte l'una dall'altra per le loro peculiarità.
Proprio in questo senso si inserisce l'ipotesi di analisi che riguarda il senso della critica nei confronti dell'omologazione e della standardizzazione. In questo senso qualcuno ha fatto delle ipotesi anche in merito alla possibilità che l'autore volesse far riflettere sull'attività lavorativa quotidiana dell'uomo.
Il rapporto sembra essere molto evidente: quello tra uomo e lavoro costituisce una corrispondenza molto forte, che forse sembra essere criticata per il fatto che il lavoro in alcuni casi potrebbe allontanare le caratteristiche individuali delle persone nella loro singolarità e tutto questo avviene sulla base di quello che viene considerato come il progresso dell'economia.
In realtà si tratta soltanto di ipotesi sull'analisi dell'opera d'arte Golconda di Magritte. La spiegazione univoca da parte dell'autore non è mai arrivata. Magritte stesso ha fornito un commento molto indicativo che è stato riportato sulla rivista La révolution surréaliste, in particolare sul numero 12 che è stato pubblicato nel mese di dicembre del 1929.
Nello specifico l'autore spiega all'interno di un articolo, dal titolo Le parole e le immagini (Les mots et les images) che un oggetto non ha il suo nome "al punto che non si possa trovargliene un altro che gli si adatti meglio".
Delle frasi molto interessanti che ci fanno comprendere il punto di vista dell'autore sulle sue opere. In pratica colui che osserva può trovare un significato differente nell'opera, anche perché per lo stesso autore un dipinto doveva costituire una sorta di "ribellione" nei confronti della concezione dell'arte borghese, che si configurava come obiettivo quello di piacere al maggior numero possibile di persone.
Golconda di Magritte è quindi un'opera che per l'autore non doveva rientrare nel principio dell'arte utile per compiacere. In questo dipinto la figura dell'uomo viene quasi "annullata" per quanto riguarda la sua individualità. E ciascun osservatore riuscirà a trarre le sue conclusioni sulla base delle sensazioni che percepisce osservando questa opera, senza dubbio una delle più interessanti della storia dell'arte.